A los 108 años, falleció este martes 14 de abril en su departamento de la Avenida Alvear, en Buenos Aires, la artista plástica Ides Kihlen, la pintora más longeva de la historia del arte argentino. Hasta sus últimos días mantuvo su rutina creativa: pintaba y tocaba el piano, dos pasiones que definieron una vida dedicada al arte en silencio durante casi nueve décadas.
Nacida el 10 de julio de 1917 en Santa Fe, hija de un inmigrante sueco llamado Enrique Kihlen, Ides pasó su infancia a orillas del río Paraná, entre las provincias de Corrientes y Chaco. Desde muy pequeña mostró inclinación por el dibujo.
Se formó en Buenos Aires, donde estudió en la Escuela Nacional de Artes Decorativas y, paralelamente, se preparó como pianista en el Conservatorio Nacional de Música. Sin embargo, su carrera artística permaneció en gran medida privada durante más de 80 años. Pintaba por placer, sin buscar exposiciones ni reconocimiento del circuito artístico.
Recién a los 83 años realizó su primera muestra individual, en el Museo Nacional de Arte Decorativo. A partir de entonces, su obra comenzó a ganar visibilidad: galerías, ferias nacionales e internacionales y homenajes en instituciones como el Museo Nacional de Bellas Artes, que le dedicó exposiciones retrospectivas celebrando su trayectoria de más de noventa años de creación ininterrumpida.
Ella misma definía su relación con el arte con una frase simple y contundente: “El arte es la vida misma”. Y lo practicó hasta el final.
La obra de Ides Kihlen
Ides Kihlen comenzó con una pintura netamente académica y figurativa, influida por su formación en la Escuela Nacional de Artes Decorativas. Durante casi treinta años (desde su juventud hasta los años 70-80) pintó de manera tradicional, aunque siempre en privado. A partir de la década de 1980, dio un giro decisivo hacia la abstracción.
Fue un proceso lento y personal: empezó con formas rectangulares sobre fondos texturados, que luego se poblaron de manchas, líneas, círculos y triángulos. Incorporó cada vez más el tratamiento automático (automatismo), donde dejaba que la mano y la sensación guiaran la composición, casi como una meditación: “Cerraba medio los ojos y componía lo que había imaginado”, solía explicar.
Hacia el comienzo del siglo XXI, su lenguaje se consolidó en series más definidas: “Negra”, “Blanca”, “Del Tigre” y “Roja”. En sus últimos años, los fondos se volvieron cada vez más luminosos, llegando al blanco puro, creando una sensación de luz y espacio abierto
